The most important Paris period painting by Kandinsky to appear on the market

Specialist Conor Jordan considers Wassily Kandinsky’s Rigide et Courbé (Rigid and Curved), unseen in public for more than 50 years and offered in New York on 16 November.


Wassily Kandinsky painted Rigide et Courbé (Rigid and Curved) in December 1935, marking the second anniversary of his arrival in Paris following the closure of the Bauhaus in Berlin. The canvas is densely packed with lively geometric vignettes and a textured surface composed of sand mixed with paint, a technique Kandinsky used only in his Paris paintings of 1934–1935.

The painting was first owned by Solomon R. Guggenheim, who acquired it from Kandinsky in 1936. Extensively published and much exhibited between 1937 and 1949, the work is the most important Paris period painting by Kandinsky ever to appear on the market.

‘With its dynamic sweep of upward energy, Rigide et Courbé evokes a rhapsodic song of thanksgiving, suggesting the bright hope the artist saw in his new home in Paris following his flight from Nazi Germany,’ explains Conor Jordan, Deputy Chairman of Impressionist & Modern Art. Marcel Duchamp had found the artist and his wife Nina a three-room, sixth-floor apartment in a new building overlooking the river in the suburb of Neuilly-sur-Seine. The Kandinskys had taken up residence during the final days of December 1933.

Wassily Kandinsky (1866-1944), Rigide et Courbé, 1935. Oil and sand on canvas. 44⅞ x 63⅞ in (114 x 162.4 cm). Estimate $18,000,000-25,000,000. This work is offered in the Impressionist & Modern Art Evening Sale on 16 November at Christie’s in New YorkWassily Kandinsky (1866-1944), Rigide et Courbé, 1935. Oil and sand on canvas. 44⅞ x 63⅞ in (114 x 162.4 cm). Estimate: $18,000,000-25,000,000. This work is offered in the Impressionist & Modern Art Evening Sale on 16 November at Christie’s in New York


The bound shapes on one side of the canvas opposed by thrusting organic forms that press outwards suggest a veiled narrative of escape, release and the freedom to begin anew. Rigide et Courbé reflects the profound impact Kandinsky’s new French surroundings had had on his painting.

Estimated at $18-25 million, the painting is being offered from an important private American collection and has not been on the market since 1964. The upcoming sale preview (Christie’s Hong Kong, 30 September to 1 October; Christie’s London, 6-9 October; San Francisco, 13-16 October) marks the first time in more than 50 years that the work will have been publicly displayed.

Source: Christie’s


From Kandinsky to Pollock. The Art of the Guggenheim Collections

The new exhibition at Palazzo Strozzi, from 19th March


Starting in March and running until July 2016, the new exhibition at Palazzo Strozzi, From Kandinsky to Pollock. The Art of the Guggenheim Collections, brings over 100 masterpieces of European and American art from the 1920s and the 1960s to Florence in a narrative that reconstructs the relationship and ties between the two sides of the Atlantic through the lives of two leading American collectors, Peggy and Solomon Guggenheim.

Curated by Luca Massimo Barbero, the exhibition – the result of a cooperative venture involving the Fondazione Palazzo Strozzi and the Solomon R. Guggenheim Foundation in New York – will offer a unique opportunity to compare and contrast the crucial works of European masters of modern art such asMarcel Duchamp, Max Ernst and Man Ray and European masters of so-called Art Informel, or “Unformed Art”, such as Alberto Burri, Emilio Vedova, Jean Dubuffet and Lucio Fontana, with large paintings and sculptures by some of the most influential personalities on the American art scene in the 1950s and 1960s, such as Jackson Pollock, Marc Rothko, Wilhelm de Kooning, Alexander Calder, Roy Lichtenstein and Cy Twombly.


This exceptional exhibition also celebrates the Guggenheims’ very special tie with the city, because it was precisely in Palazzo Strozzi’s Strozzina undercroft that Peggy Guggenheim, who had only recently arrived in Europe, decided in February 1949 to show the collection that was later to find a permanent home in Venice.

The large paintings, sculptures, engravings and photographs on display at Palazzo Strozzi on loan from the Guggenheim collections in New York and Venice and from other leading international museums, paint a vast fresco of the extraordinarily heady season of 20th century art in which Peggy and Solomon Guggenheim played such a key role. They also tell the fast-paced story of the birth of the Neo-Avant-Garde movements after World War II in a tight and uninterrupted interplay between European and American artists.

Source: Firenze Made In Tuscany

MUSIC in colour

Making impressions:Kandinsky’s ‘The Blue Rider’.
Making impressions:Kandinsky’s ‘The Blue Rider’.

Kandinsky’s choice of bright colours, hues and shapes gave identity to the abstract art movement.

Have you ever looked at a painting and not been sure of what it looked like? Chances are you are looking at a piece of abstract art. In this form of art, artists pay attention to colours, shapes and lines. They use these elements to express their feelings instead of painting objects, people or places that look real.

The abstract art movement began around 1910. Wassily Kandinsky is considered a founding father of this style of painting. He was born in Moscow, Russia, in 1886 and grew up in the Russian town of Odessa. When he was young, he studied drawing and music. He learned to play the piano and the cello. These early experiences with music played a big part in his paintings, in his later years.

At first, Wassily studied law and became a teacher at the Moscow University. When he was 30 years old, he decided he wanted to be an artist and moved to Munich, Germany. He went to art school and started by painting landscapes. He was influenced by the artwork of impressionist painters like Claude Monet and also by many music composers.

Exploring art

In Germany, Kandinsky and an artist friend, Franz Marc, founded a group called The Blue Rider ( Blaue Reiter in German). The group believed that art should explore spiritual ideas and published a magazine that explained their ideas. Kandinsky wrote a book about spirituality and art. One of his famous paintings is also called ‘The Blue Rider’.

Kandinsky’s paintings became gradually more and more abstract. He was interested in painting the feelings created by colours and shapes instead of how objects really looked. Colour was important to him and he felt that colours expressed emotions just like music did. He arranged certain colours next to each other on his paintings, much like a composer arranges notes to produce beautiful music. Many of his paintings were named like pieces of music. He called them Compositions and Improvisations. Some of his paintings were created after he listened to a piece of music. He called them Impressions.

Kandinsky began to teach art in Germany at a well-known school called the Bauhaus (pronounced Bow-House). Here, he sometimes conducted free painting classes where he and his friends taught and also created their own paintings. He lived in Germany until the rise of the Nazi movement. The Nazi leader, Adolf Hitler, was a failed artist and hated many forms of art, especially abstract art. The Nazis closed down the Bauhaus. They seized 57 of Kandinsky’s paintings, in 1937. The paintings were displayed in an exhibition with other paintings that Hitler disliked and called “degenerate art”. They were later destroyed.

Kandinsky left Germany and moved to France, at this time. He lived in France until the end of his life in 1944. During his life as an artist, Kandinsky wrote three books explaining his ideas about art. These ideas have influenced many artists and are as important as his paintings.

You can see Wassily Kandinsky’s paintings up close on Olga’s Kandinsky Gallery:

 by Yamini Pathak
Source: The Hindu

The Good Accident – An Academy Award-Winner’s Thoughts on her Favourite Artist Kandinsky

Helen Mirren on Vasily Kandinsky

Filmed by Lost & Found Films. Produced by MoMA

Vasily Kandinsky. Panel for Edwin R. Campbell No. 1. 1914. Oil on canvas. Mrs. Simon Guggenheim Fund. Vasily Kandinsky. Panel for Edwin R. Campbell No. 2. 1914. Oil on canvas. Nelson A. Rockefeller Fund (by exchange). Vasily Kandinsky. Panel for Edwin R. Campbell No. 3. 1914. Oil on canvas. Mrs. Simon Guggenheim Fund. Vasily Kandinsky. Panel for Edwin R. Campbell No. 4. 1914. Oil on canvas. Nelson A. Rockefeller Fund (by exchange). All works in the collection of The Museum of Modern Art and © 2011 Artists Rights Society (ARS), New York/ADAGP, Paris

© 2011 The Museum of Modern Art


Claves para mirar un Kandinsky

Una muestra en el Centro Cibeles de Madrid incluye un centenar de obras que reflejan la evolución del artista ruso.


Dicen que el arte no hay que entenderlo, sino sentirlo. Pero igual que una canción de Bob Dylan se disfruta más cuando se sabe lo que dice la letra, hay cuadros abstractos que necesitan traducción. La exposición sobre Kandinsky que puede verse desde el pasado día 20 y hasta el 28 de febrero en el espacio Centro Cibeles de Madrid es un buen ejemplo de eso. Un centenar de obras servirán para demostrar cómo el artista ruso complica progresivamente sus pinturas, desde los inicios como paisajista post-impresionista hasta las composiciones más extremas de su madurez. Éstas son las cinco claves para enfrentarse a un Kandinsky abstracto y no rendirse en el intento.

1. Retratar sentimientos

Kandinsky distingue entre el mundo exterior, lo que vemos, y nuestro mundo interior, el alma humana y las emociones. A lo largo de la Historia se ha usado la pintura figurativa para retratar el ámbito visible pero, según Kandisky, la misión del arte debe ser transmitir los sentimientos que se esconden en el mundo espiritual. Sin embargo, para hacerlo se encuentra con una gran dificultad: ¿cómo plasmar visualmente algo que es invisible? Necesita inventar un nuevo lenguaje: el arte abstracto.

El artista ruso decide entonces eliminar todas las formas que recuerdan al mundo exterior (objetos, animales y personas) porque, asegura, son innecesarias: «Igual que un músico puede reproducir sus sentimientos sobre el amanecer sin utilizar los sonidos del canto de un gallo, el pintor dispone de medios puramente pictóricos para dar forma a sus impresiones de la mañana sin necesidad de pintar un gallo». Según su teoría, en cuanto vemos una cosa, por ejemplo un barco, nos resulta ya imposible dejar de pensar en ese objeto y nuestra imaginación no va más allá. Sin embargo, ante una forma abstracta que no nos recuerda a nada, nuestra mente es libre de imaginar lo que queramos y concentrarnos en los sentimientos que nos provoca. Kandinsky pintó muchas obras figurativas antes de darse cuenta de que los objetos le sobraban. Lo descubrió de casualidad, cuando se quedó maravillado con un cuadro desconocido que encontró en su estudio: «Me dirigí rápidamente hacia aquella misteriosa pintura, en la cual sólo distinguía formas y colores, y cuyo tema era incomprensible. Pronto descubrí la clave del enigma: era uno de mis lienzos puesto de lado y apoyado sobre la pared. Al día siguiente traté de revivir a la luz matinal la impresión que experimentara la víspera frente al cuadro. Pero sólo lo logré a medias. Aun estando de costado, no dejé de reconocer los objetos y faltaba el bello fulgor del crepúsculo. Ahora ya estaba seguro de que el objeto perjudicaba a mis pinturas».

2. Colores que se oyen, huelen, tocan y saborean

Los colores son el elemento fundamental para transmitir emociones porque, según Kandinsky, los percibimos con los cinco sentidos: no sólo los podemos ver, sino que además los escuchamos, olemos, sentimos e incluso saboreamos. Basándose en estudios de la época y experimentos que hacía con sus alumnos, elaboró una clasificación de los colores y las correspondientes sensaciones que producen. En el extremo más frío está el azul: suena profundo, en un tono bajo y con un ritmo lento, tiene un olor balsámico, sabe dulce, resulta suave pero gélido al tacto y, en general, provoca un estado de ánimo calmado y reflexivo. En el lado contrario, coloca al amarillo: su sonido es agudo, alto y rápido; de olor y sabor picante, tacto caliente y afilado, inspira al espectador a acciones espontáneas y afectivas. El rojo está a medio camino de los anteriores: produce una música tranquila, de volumen y ritmo medio, olor fuerte, tacto duro y temperamento reflexivo.

De la combinación de estos tres colores primarios va obteniendo todos los demás, con su correspondiente mezcla de ‘personalidades’ que permiten al artista transmitir emociones hasta entonces inalcanzables.


3. Las formas

Además de colores, el otro ingrediente fundamental de los cuadros de Kandinsky son las formas. Hay tres tipos, cada una con un ‘sonido interno’: el punto, la línea y los planos (que pueden ser rectángulos, triángulos, círculos o formas libres).

El punto es el elemento más simple y por eso transmite concisión, claridad, precisión y energía. La línea no es más que la marca que deja un punto al moverse por el lienzo, así que da sensación de dinamismo. Si esa raya es horizontal dejará una impresión fría pero cuanto más se incline hacia la vertical, mayor será el calor que irradie y más temperamental resultará el cuadro.

Luego están el triángulo (forma que se mueve como un cuchillo, transmitiendo agresividad y rapidez), el círculo (sinónimo de solemnidad, estabilidad y trascendencia) y el rectángulo (que puede congelar o abrasar el cuadro, dependiendo de si sus líneas horizontales frías son más largas que las verticales calientes). Según Kandinsky, la relación de unas formas con otras dentro del cuadro provoca efectos espectaculares: «El impacto del ángulo agudo de un triángulo sobre un círculo produce un efecto no menos poderosos que el del dedo de Dios tocando el dedo de Adán en la obra de Miguel Ángel».

Normalmente, las formas se corresponden con unos colores determinados, pues ambos tienen el mismo carácter: los ‘agresivos’ triángulos tienden a ser amarillos (el color más temperamental e impulsivo), los majestuosos círculos suelen tener apacibles azules y a los rectángulos, más neutros, los viste generalmente de rojo. Pero con Kandinsky nada resulta fácil y las combinaciones pueden ser infinitas dependiendo de lo que quiera comunicar: así un cuadrado puede perder su neutralidad para ‘atacar’ al espectador con un amarillo más intenso o un triángulo llegar a moderar sus impulsos cubriéndose con un relajante azul.

4. Música

Una vez que tenemos los dos elementos principales, color y formas, ya podemos hacer música con ellos. Aunque Kandinsky nunca pretendió plasmar en imágenes composiciones musicales ya existentes o crear nuevas, sí traslada la fuerza expresiva y evocadora de las melodías a la pintura.

Los colores son los sonidos y cada uno se corresponde, según su carácter, con un instrumento concreto: el amarillo es una trompeta; el azul oscuro, un violonchelo; el violeta, una gaita; el verde, un violín; el blanco, el silencio; y el negro, el punto final de la composición.

Para darle ritmo a esos sonidos, el artista ruso utiliza las formas: si hay muchas líneas juntas, el ritmo es rápido y vibrante; si hay sólo una muy larga, la melodía se vuelve monótona y pausada. Un punto sería una nota solitaria y varios de ellos juntos, como un repicar. El volumen e intensidad de la melodía lo marcan el mayor o menor tamaño de las formas y la saturación de los colores.

Kandinsky identificaba sus cuadros con la música hasta tal punto que comparaba el trabajo del pintor con el de un intérprete: «El color es la tecla. El ojo, el macillo. El alma es el piano con muchas cuerdas. El artista es la mano que, por esta o aquella tecla, hace vibrar adecuadamente el alma humana». Pero que nadie piense que la «música visual» de Kandinsky era melodiosa y agradable. Concebía la creación artística como una batalla contra el caos, su lucha contra el lienzo en blanco para crear de la nada algo con sentido. De ahí que sus cuadros sean un continuo choque de colores con música disonante, un conjunto de sonidos casi desagradables que se perciben con tensión, como si desafinaran.


5. Espacio

Por último, para ‘leer’ un cuadro abstracto de Kandinsky hay que fijarse en qué lado hay más elementos. Según él, la derecha es para nuestra mente el entorno cómodo de lo cotidiano, lo seguro y conocido. Por tanto, lo que aparece a ese lado resulta más pesado y perezoso, el ritmo es más lento y la música suena relajada.

Por contra, cuando nos movemos hacia la izquierda nos estamos alejando de lo confortable para iniciar una aventura hacia lo desconocido, así que lo que vemos en esa parte del cuadro resulta ágil, ligero y transmite sensación de libertad. Siguiendo esta teoría, Kandinsky suele colocar a la derecha formas tranquilas (como un gran círculo) y colores lentos (el azul) para reforzar la sensación de comodidad de ese lado. La izquierda sería el territorio del espontáneo amarillo, los valientes triángulos y el ritmo frenético que marcan las líneas en diagonal o vertical.

Para acabar, hay una última norma a la hora de ponerse delante de un Kandinsky abstracto: no pensar demasiado. A pesar de todas las normas que estableció para su lenguaje, lo más importante es dejar que lo que vemos vaya despertándonos sensaciones: «Pregúntese, si quiere, a sí mismo si la obra le ha transportado a un mundo que antes no conocía. Si es así, ¿qué más puede pedir?»

por Pablo Ortiz de Zárate

Fuente: El Diario Montañés