Rodin − Rilke − Hofmannsthal. Der Mensch und sein Genie

Datum: Nov 17, 2017 − Mar 18, 2018

Museum: Staatliche Museen zu Berlin

Auguste Rodin

Selbstporträt

Auf der wichtigsten jährlichen Kunstausstellung in Paris, dem Salon, stellte der Bildhauer Auguste Rodin im Jahr 1898 zwei gewaltige Statuen aus – Der Kuss und Denkmal für Balzac. Er war damals achtundfünfzig Jahre alt und näherte sich dem Höhepunkt seines Ruhmes.

Es war sowohl eine Geste der Herausforderung als auch eine für ihn typisch kühne Antwort auf widrige berufliche und private Umstände (seine Geliebte, Camille Claudel, hatte kurz zuvor die Beziehung mit ihm beendet). Eigentlich hatten die Dimensionen des sich in Der Kuss umarmenden Paares sehr viel kleiner ausfallen sollen, um auf einem massiven Portal Platz zu finden, das von der französischen Regierung für ein geplantes Musée des Arts decoratifs in Auftrag gegeben worden war.

Rodin hatte an den Türen, bekannt als Das Höllentor, bereits fast zwanzig Jahre lang gearbeitet; bis sich dann im Jahr 1898 jedoch herausstellte, dass das Museum nie gebaut werden würde. In jenem Jahr gestaltete Rodin das Paar als sehr viel größere Marmorplastik für den Salon.

Das Höllentor, 1880-1917. Bronze, 635 x 400 x 85 cm. Musée Rodin , Paris

Auch die Skulptur des Balzac war ursprünglich ein später abgelehntes Denkmal, das von einer literarischen Gesellschaft 1891 in Auftrag gegeben wurde, um des herausragenden Schriftstellers des 19. Jahrhunderts zu gedenken. Nach sieben Jahren vorbereitender Studien hatte sich Rodin entschlossen, das Werk auszustellen, um seine Kritiker davon zu überzeugen, dass sich das Projekt der Vollendung näherte. Als das für den Auftrag verantwortliche Komitee das grob in Gips modellierte Werk im Salon sah, wies es die Arbeit zurück und kündigte den mit Rodin abgeschlossenen Vertrag.

Denkmal für Balzac, 1897. Bronze, 270 x 120 x 128 cm. Musée Rodin , Paris

Zweifellos verströmen beide Werke, so antithetisch ihr Stil auch sein mag, unübersehbar erotische Energien – ein offensichtlicher Hinweis darauf, dass die Erotik, die Sinnlichkeit und die Sexualität im Leben und Werk Rodins einen zentralen Bestandteil darstellten.

Gleichwohl ist der erste Eindruck beider Skulpturen natürlich stärker von ihrer Unterschiedlichkeit geprägt. Wenn selbst uns die Vorstellung noch immer in Erstaunen versetzt, dass diese beiden Werke von ein und demselben Menschen geschaffen wurden, so waren die gut gekleideten Pariser Besucher, die sie als Blickfang im Salon ausgestellt sahen, zumindest gleichermaßen, wenn nicht noch viel stärker, davon überrascht.

Der Kuss ist ebenmäßig aus schimmerndem, weißem Marmor gehauen, das Liebespaar idealisiert und als Protagonisten von göttlicher Schönheit dargestellt. Der Balzac dagegen, roh aus Gips geformt (andere Versionen in Bronze und Marmor wurden erst später angefertigt), ist mit seinem zerklüfteten Profil, seiner rauen Struktur und einer mehr oder weniger völligen Missachtung anatomischer Details, fehlender Sorgfalt und mangelnder Oberflächenbehandlung von wuchtiger Hässlichkeit. In Der Kuss vollführt das umschlungene Paar eine erregende, beinahe komödiantische Umarmung.

Der Kuss, 1888-1889. Marmor, 181,5 x 112,3 x 117 cm. Musée Rodin , Paris Musée Rodin, Paris

Die Figuren waren ursprünglich von Dantes Liebenden, Paolo und Francesca, deren inzestuöse Beziehung nur zur Verdammnis führen konnte, inspiriert, hier jedoch geben sie nichts von ihrem furchtbaren, tragischen Schicksal preis (Rodin schuf für die Türen eine andere, dunklere Version)…

Um einen besseren Einblick in das Leben und die Arbeit von Rodin zu erhalten, setzen Sie dieses spannende Abenteuer fort, indem Sie auf: RodinThe Met Fifth Avenue , Amazon GermanyiTunes , Google, Amazon UK , Amazon US  , Amazon AustraliaBarnes&NobleBaker and Taylor, Amazon Italy , Amazon Japan , Amazon China , Amazon India , Amazon Mexico , Amazon Spain , Amazon France , Amazon Canada , Kobo , Scribd , Overdrive , Douban , Dangdang klicken.

Advertisements

Rubens: Der geistliche Vater von Botero

Ausstellung: “Rubens. The Power of Transformation”

Datum: Feb 8 − May 28, 2018

Museum: Stadel Museum

rubens_ger_6
Helene Fourment, Im Brautkleid, um 1630. Alte Pinakothek , Bayerische Staatsgemäldesammlungen, München.

Peter Paul Rubens, der große flämische Künstler des 17. Jahrhunderts, ist weltberühmt und die Bedeutung, die seinem Schaffen in der Entwicklung der europäischen Kultur zukommt, ist allgemein anerkannt.

Herkules und Omphale, um 1606. Musée du Louvre , Paris.

Die Erkenntnis, dass das 17. Jahrhundert für Rubens, verglichen mit der nachfolgenden Zeit, ein geringeres Interesse aufbrachte, mag uns heute befremden. Denn die Zeitgenossen rühmten ihn ja als den ıApelles des Jahrhunderts„. Doch in den ersten Jahrzehnten nach dem Tode des Künstlers im Jahr 1640 war der Glanz seines in ganz Europa strahlenden Ruhmes erloschen. Dies erklärt sich aus den Vorgängen, die in Europa einen historischen Wendepunkt einläuteten.

Die Kreuzabnahme, 1612-1614. Eremitage, St. Petersburg

In der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts war die Herausbildung der Nationen und der absolutistischen Staaten an der Tagesordnung. Der neue Gehalt, der aus Rubens Werken sprach, musste auf die an nationaler Selbstbehauptung interessierten Schichten der europäischen Länder, die den gleichen Weg betreten hatten, wie eine Offenbarung wirken.

Die hohe Wertschätzung der objektiven sinnlichen Welt, die der Künstler in seinem Schaffen verkündete, die Verherrlichung des Menschen und die Behauptung seines Platzes im Universum, das aus heftigen sozialen Auseinandersetzungen geborene heroische Pathos, das sich in einer äußersten Anspannung aller geistigen und körperlichen Fähigkeiten des Menschen ausdrückte, erhob die Kunst RubensÊ in den Kämpfen der Zeit zum Banner, denn sie verkörperte ein Ideal, um das es sich zu kämpfen lohnte.

Nilpferdjagd, um 1615-1616. Alte Pinakothek , Bayerische Staatsgemäldesammlungen, München.

In der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts war die Lage in Westeuropa dagegen eine grundsätzlich andere: Der Absolutismus hatte gesiegt: in Deutschland nach dem Dreißigjährigen Krieg, in Frankreich nach der Fronde, in England infolge der Restauration. Die ganze Gesellschaft wurde von einer immer heftiger werdenden Auseinandersetzung zwischen den konservativen und progressiven Mächten ergriffen. Dies zog eine ıUmwälzung aller Werte„ im Lager der reaktionär gesinnten privilegierten Schichten nach sich, ein Vorgang, der gegenüber Rubens ein widerspruchsvolles, zwiespältiges, sich nun in ganz Europa in demselben Maße ausbreitendes Verhältnis hervorrief wie sein Ruhm zu seinen Lebzeiten.

Helene Fourment in der Kutsche, um 1639.
Musée du Louvre, Paris.

Erst im 18. Jahrhundert erwacht ein neues Interesse für Rubens. In den weit über dreihundertsechzig Jahre, die seit dem Tode des Künstlers vergangen sind, hat sein künstlerisches Erbe, dessen unmittelbarer ästhetischer Wert sich als bleibend erwies, unterschiedliche Interpretationen erfahren. Da die unter verschiedenen historischen Bedingungen jeweils herrschende Ästhetik nicht umhin konnte, die unleugbare Wirkung seiner Kunstwerke zur Kenntnis zu nehmen, suchte sie diese Wirkung in eine gewünschte Richtung zu lenken. Das ganze Wirken und Schaffen RubensÊ war so zeitgebunden, dass die Distanz, die für eine gültige Bewertung nötig ist, für die Zeitgenossen
unerreichbar bleiben musste. Ein zeitgenössisches Schrifttum über Rubens gibt es nicht. Nur begeisterte Lobeshymnen und Dichtungen, in denen das Werk des Meisters verherrlicht wird, geben uns Kunde von der hohen Anerkennung, die er bei seinen Zeitgenossen gefunden hatte…

Um einen besseren Einblick in das Leben und die Arbeit von Rubens zu erhalten, setzen Sie dieses spannende Abenteuer fort, indem Sie auf: RubensAmazon Germany , Ceebo (Media Control), CiandoTolino Media , Open Publishing , Amazon UK , Amazon US , Ebook Gallery , iTunes , Google , Amazon AustraliaAmazon Canada , Barnes&NobleBaker and Taylor , Amazon Italy , Amazon Japan , Amazon China , Amazon India , Amazon Mexico , Amazon SpainAmabook , Odilo , 24symbols , Arnoia , Nubico , Overdrive , Amazon France , numilog , youboox , Cyberlibris , Kobo , Scribd , Douban , Dangdang klicken.

 

Shelley’s Art Musing – “Cover up that bosom, which I can’t endure to look on”. (Tartuffe, Molière)

The Egon Schiele. The anniversary show is due to start in February 2018 with exhibits in Vienna, London, Hamburg and Cologne. It will display the main aspects of his work and his shunning of traditional art practices of his time, break taboos and exploring spirituality through his expressionist form.

If you are unaware of Schiele’s work, he was an Austrian artist working in the early part of the 1900’s.  His work is recognised for its raw intensity and sexuality.  He produced many self portraits, some of which were nudes.  The subjects of his work drawn with twisted body shapes and a unique line which made his work an early contender for the expressionist art movement.

With this in mind and 100 years after the death of Schiele, we are still seeing censorship of his work, and I am led to the question, why?

The advertising campaign for this exhibit first opened this question up for me, with Schiele’s artwork being heavily censored.

I could just see this as a very clever marketing ploy and move on, but I don’t believe that it is.  Schiele’s work is provocative and unashamed in its presentation, so why is it when it is displayed outside of the confines of a museum or art gallery is it subject to such censorship?

Sexuality within art is a fine line to tread.  If it is deemed “conformist” in that the subject is demur in nature and in an “acceptable” pose the art work on display is almost unseen and not out of place, we are quite used to seeing sculptures like Michelangelo’s David, or Botticelli’s Birth of Aphrodite on postcards or greeting cards, so why not Schiele?  It is after all just the human form, and we are all human, so why is there a need for such censorship?

The art world very often butts heads with the marks of decency or good taste in its hunt for freedom of expression and exploration of taboo subjects.  This means that art will always come up against the confines of what censorship boards will allow, but can censorship go too far?

Artists throughout history have been subjected to this same confine which sees their work either covered, as Schiele work has been, mutilated to be more audience friendly, or renamed to give a different take for what is on the canvas.

For example, if we look at the work of Picasso, specifically The Young Ladies of Avignon.

Pablo Picasso , The Young Ladies of Avignon, 1907. Cubism. Oil on canvas, 243.9 x 233.7 cm. Museum of Modern Art , New York.

This piece was originally called The brothel of Avignon, but was renamed by Andre Salmon in an attempt to lessen the scandalous impact that this painting would cause.

Picasso, never liked this name, and always referred to the painting as the “brothel painting”.  But “would a rose by any other name smell as sweet…”

The name and content of the picture would always be controversial and while this painting is now considered the seminal piece in cubism and modern art, its original reception was not as highly regarded.

This does lead to the question of trending censorship, while it is accepted that nudity and sexuality will always push the boundaries of the censorship boards, will there come a time when it is considered to be immoral to show drinking or smoking within art work.  Could we see small black boxes over the works of Degas, Picasso, Balthus, Magritte and Hamilton be censored because they depict habits which are now being frowned upon within society?

Of course, this is taking censorship to the absolute extreme, but this type of act isn’t unheard of.  Merriam-Webster defines censorship as “the practice of officially examining books, movies, etc., and removing things that are considered to be offensive, immoral, harmful to society, etc.” We have seen extreme censorship in the past, most notably the Nazi book burning of may 1933.  This act saw books which were subversive to the Nazi regime burnt.  Seeing any texts which were  Jewishpacifistreligiousclassical liberalanarchistsocialist, and communist, among others burned in the street. The first books burned were those of Karl Marx and Karl Kautsky.

I say that this is the extreme, and it really is, and some artists, have tried mock the censorship panels through their work.

If we look at the painting The Treachery of image by Rene Magritte we see a painting of a pipe with the words “this is not a pipe” written underneath it.

Rene Magritte , The Treachery of Images, 1929. Oil on canvas, 63.5 x 93.98 cm. Los Angeles County Museum of Art

At first glance, this is confusing to say the least.  We can see it is a pipe, so why would the artist profess otherwise?

Magritte was quoted to have said: “The famous pipe. How people reproached me for it! And yet, could you stuff my pipe? No, it’s just a representation, is it not? So if I had written on my picture ‘This is a pipe’, I’d have been lying!”. Taking a direct stance against the critics and the censorship boards by pointing out once again that art is merely subjective and each person will have their own opinion of what they see and deem acceptable.

Richard Hamilton was also heavily subjected to censorship of his images, with his work cropped to make it appear more acceptable.

The piece Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing?  was produced in 1956 for the exhibition This is Tomorrow in London.  The piece is a collage which shows a male body builder and a burlesque model around the house in no clothing, but one holding a sign and the other wearing a lampshade.

Richard Hamilton, Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing?, 1956. Collage, 260 x 248 mm. Kunsthalle Tubingen

The image was used as the poster campaign for the exhibit, but it was cut down so only the male body builder was shown, deeming the topless women too risqué to use within the campaign.

From what we have looked at, we can see why art and censorship will always be in conflict.  The moral high ground of societies best interests, usually winning which means that public displays of controversial artworks will always be confined to the safety of a designated space, so as not to offend those who could be, and to protect the innocent eyes of children.

If you want to see Schiele’s work in all its glory, you will need to attend one of the exhibits mentioned above, and you can get more information about the exhibits here:-

Vienna – https://www.wien.info/en/sightseeing/vienna-2018/vienna-2018-exhibitions

London – https://www.royalacademy.org.uk/exhibition/klimt-schiele

For now I will leave you with the image of The Radical Nude, and a quote by Schiele, which reminds us that art is one of the oldest forms of communication – “Art cannot be modern. Art is primordially eternal.”

Egon Schiele, The Radical Nude

一场盛宴:意大利文艺复兴时期的绘画作品

时间:2017年10月28日-2018年3月11日

地点:圣莱热博物馆,苏瓦松,法国。

朱塞佩·阿尔钦博托Giuseppe Arcimboldo

(1527-1593年)

《自画像》,现存于布拉格国家画廊,谷歌美术馆。

朱塞佩·阿尔钦博托于1527年出生于米兰,是艺术家Biagio Arcimboldo和Chiara Parisi的儿子。阿尔钦博托一家具有贵族血统,最初起源于德国南部,到了中世纪时期,部分家族成员开始移居到伦巴第。

阿尔钦博托的族姓有很多拼写变体:Acimboldi, Arisnbodle, Arcsimbaldo, Arzimbaldo,或者是Arczimboldo。其中“boldo”或者是“baldo”的后缀是中世纪日耳曼语的派生词。同样,阿尔钦博托的名字也有很多写法:Giuseppe, Josephus, Joseph或者是Josepho,以上都是阿尔钦博托签名的写法。

Vertumnus(水果拼成的男人肖像),约1590年,木版油画,70.5 x 57.5 cm,斯库克洛斯特城堡,斯库克罗斯特。

在作品《米兰之夜》(1619年)中,Paulo Morigi描绘了阿尔钦博托的家族以及他的贵族血统。尽管很多资料来源不确定,但是阿尔钦博托一家可以追溯到查理曼时期的名为Sigfrid Arcimboldo的宫廷的大臣。在阿尔钦博托的十六个孩子中,三名是骑士,其中一名还在伦巴第定居。这就成为了阿尔钦博托家族在意大利定居的渊源。为了论证自己的观点,Paulo Morigi宣称他的描述是可敬的绅士塞佩·阿尔钦博托的原话。

《春天》,1573年。帆布油画,76 x 63.5 cm,卢浮宫博物馆,巴黎。

Paulo Morigi继续描述了阿尔钦博托家族在米兰的历史,尽管他只讨论了意大利的分支在米兰居住的历史。他说道,朱佩塞的曾祖父Guido Antonio Arcimboldo在1489年接任他已故的兄弟Giovanni Arcimboldo,当选为米兰的大主教。在1550年至1555年期间,Guido Antonio的私生子Giovanni Angelo Arcimboldo担任米兰大主教。他引导着朱塞佩,并且带他讨论米兰宫廷中艺术家、人道主义者和作家的政治。

《秋天》,1573年。油画,77 x 63厘米。 卢浮宫博物馆,巴黎,法国。

在米兰,阿尔钦博托的父亲对他进行了艺术训练,他也得到了Lombard School的艺术家,例如来自克雷莫纳的杰出画家Giuseppe Meda(活跃在米兰的1551-1559)和Bernardino Campi(1522-1591)的指导。

从阿尔钦博托的艺术中,我们感受到了对达芬奇的艺术和科学的迷恋。实际上,朱塞佩的父亲Biagio幸运地与达芬奇的学生Bernardio Luini是好友。在达芬奇死后,Bernardio Luini继承了几本达芬奇的工作手册和素描。Biagio Arcimboldo确实是研究了这些,几年后,他将达芬奇的人艺术和科学风格教给了他儿子。

《侍酒师》,1574年。帆布油画,87.5 x 66.6 cm,私人收藏,伦敦。

意大利艺术家Biagio,Meda和Campi与德国艺术家都有联系,为米兰大教堂创作或者是为美第奇家族绘制挂毯。根据米兰大教堂的档案,阿尔钦博托在1549年已经成为了大师级画家,并且与父亲一起装饰和绘画彩色玻璃窗、木门和教堂祭坛的穹顶。教堂拱顶的彩绘玻璃窗尤其重要,讲述的是亚历山大凯瑟琳的故事。基督教的传说是有关凯瑟琳殉道,她拒绝放弃基督教的信仰而改信异教。这些场景的创作相对复杂,主要是基于经典主题(双耳环、花环和小天使)和基督教象征(宝座、扇贝贝壳和礼仪装饰等等)的组合。

《火》,1566年,木版油画,66.5 x 51 cm,艺术史博物馆,维也纳。

建筑和装饰的观念反映了艺术的幻想和矫饰主义的品味。这也展现了达芬奇对阿尔钦博托的影响力,同样也通过米兰艺术家Gaudenzio Ferrari(1471-1546)的艺术。在米兰大教堂的一份1556年的档案文件中提到,阿尔钦博托的大教堂绘画被Corrado de Mochis转移到了玻璃。在此期间,阿尔钦博托为的神圣罗马帝国王迪、波西米拉国王、已故的费迪南德一世创作了五个象征徽章。

阿尔钦博托的父亲于1551年过世,阿尔钦博托继续在伦巴第工作,一直到1558年前往科莫和蒙扎之前。他为科莫大教堂的挂毯创作了旧约和新约的草图。Gobelins Tapestry手工坊的弗兰德斯艺术家Johannes和Ludwig Karcher(活跃于1517年至1561年)受雇于Gobeline挂毯公司,从这些草图中创作了挂毯。

《圣母的死亡(根据阿尔钦博托的草图设计)》,1561-1562年,挂毯,423 x 470 cm,科莫大教堂,科莫。

在挂毯的卷轴上,有织布工的名字。阿尔钦博托一共设计了八个场景,用鲜花、水果、卷轴和古典的怪诞风格镶嵌边界,如同我们在《圣母的死亡》中所见。在一个私人花园中,建筑风格和中世纪以及文艺复兴相呼应,圣母在一个棺材旁边休息,周边围绕着哀悼的使徒。圣母玛利亚拉格拉齐教堂在背景中若隐若现。

更多阅读,欢迎点击:

亚马逊当当京东豆瓣

ラスキン – モディリアーニ:陰毛のスキャンダル

展示会:モディリアーニ

日付:2017年11月23日〜2018年4月2日

博物館:テート博物館、ロンドン

青いクッションのヌード、1917 年。キャンバスの上に、65.4 x 100.9 cm。 チェスター・デール・コレクション、ナショナル・ギャラリー・オブ・アート、ワシントンD.C

Amedeo Modiglianiは1884年にイタリアで生まれ、35歳でパリで死亡した。 彼はフランスの母親とイタリアの父親とユダヤ人だったので、3つの文化で育った。

彼のユニークなビジョンは、彼のイタリアと古典的な芸術的遺産、フランスのスタイルと感性、特に20世紀の幕開けのパリの豊かな芸術的雰囲気を理解したことによって育まれた、情熱的で魅力的な男。 彼の知的意識はユダヤ人の伝統に触発された。

他のアヴァンギャルドなアーティストとは異なり、Modiglianiは主に肖像画を描いていました。典型的には、メランコリックな空気で非現実的に伸びた肖像画と優雅な美しさと奇妙なエロティシズムを披露します。

オープンアーム(赤いヌード)でヌードをリクライニング、1917 年。キャンバスにオイル、60 x 92 cm。 ジャンニ・マティオリコレクション

1906年、モディリアーニは芸術革新と国際美術市場の中心であるパリに移りました。 モンマルトルとモンパルナスのカフェやギャラリーを頻繁に訪れ、多くの異なるグループのアーティストが集まりました。

モディリアーニを「最後の真のボヘミアン」(Doris Krystof、Modigliani)として描写したポスト・インプレッション派の画家(アルコール)モーリス・ユトリョ(1883-1955)とドイツの画家ルートヴィヒ・マイトナー(1844-1966) 。

モディリアーニの母親は、お金を払うことができましたが、彼は必死に貧しく、宿舎を頻繁に変更しなければならず、家賃を支払うことなく逃げなければならないときに仕事を放棄することがありました。

Reclining Nude、1917
キャンバス地上油、89 x 146 cm プライベートコレクション。

パブロ・ピカソ(1881-1973)がパリで最初に恋人だったフェルナンデ・オリビエは、彼女の本「ピカソと彼の友人」(1933年)のモディリアーニの部屋の1つを描いている。

部屋の一角に4フィート立っている。 その上に小さくて錆びたストーブが洗濯に使われた黄色のテラコッタの鉢でした。 白い木製のテーブルにタオルと石鹸を置いて閉じる。 別のコーナーでは、黒く塗装された小さくてかわいい箱の胸が不快なソファーとして使われました。

すべての大きさのキャンバス、床にこぼれた色の管、ブラシ、テレビン用容器、硝酸(腐食に使用される)ボウル、カーテンなし

1917年、ネックレス付きのヌード。キャンバスに油彩、92 x 60 cm。 プライベートコレクション

モディリアーニは、ピカソを含む多くのアーティストがスタジオを持っていた有名な建物のBateau-Lavoirで有名な人物でした。 おそらくモディリアーニとピカソのマックス・ヤコブ(1876-1944)のボヘミアンライターと友人の名前が付けられたでしょう。

Bateau-Lavoirにいる間、ピカソはレビデモイゼルデ・アヴィニョン(1907年)を描きました。キュービズムの始まりを告げる売春婦の根本的な描写です。

Georges Braque(1882-1963)、Jean Metzinger(1883-1956)、Marie Laurencin(1885-1956)、Louis Marcoussis(1878-1941)、Juan Gris(1887-1927)などの他のバトー・ラヴァールの画家は、 、Jacques Lipchitz(1891-1973)、Henri Laurens(1885-1954)もキュービズムの最前線にいました。

アーティスト妻の肖像画、Jeanne Hebuterne、1918
キャンバスオイル、101 x 65.7 cm。 ノートンサイモン博物館、パサデナ

ファビズムの鮮やかな色彩と自由なスタイルが普及し、モディリアーニはアンドレ・デライン(1880-1954)とモーリス・デ・ララノク(1876-1958)、表現主義彫刻家マノロ(マヌエル・マルティネス・ヒューゲー) 、1872-1945)、Chaim Soutine(1893-1943)、Moisekisling(1891-1953)、Marc Chagall(1887-1985)などがあります。 Modiglianiはこれらのアーティストの多くの肖像画を描きました。

マックス・ヤコブと他の作家は、すでに詩人・芸術評論家(マリー・ローレンシングの恋人)ギョーム・アポリネール(1880-1918)、シュールレアリスム・アルフレッド・ジャリー(1873-1907)、作家、哲学者、写真家 Modiglianiが混在していたJean Cocteau(1889-1963)とModiglianiの非日常的な生活に基づいた劇的な小説を書くために続いたAndré Salmon(1881-1969)。

Moise Kislingの肖像画、1915 年。キャンバス地のオイル、37 x 29 cm。 Pinacoteca di Brera、ミラノ

アメリカの作家・芸術家のガートルード・スタイン(1874-1946)と兄レオも定期的に訪問しました。

Modiglianiは彼の友人に「Modi」として知られていた、間違いなくpeintremaudit(呪われた画家)の言い伝え。

彼自身は、さまざまなニーズと欲望を持っていると信じており、フリードリヒ・ニーチェ(1844-1900)、チャールズ・ボーデレール(1821-1867)、 Gabriele D’Annunzio(1863-1938)。

リボルノの乞食、1909 年。キャンバスオイル、65.8 x 53.4 cm。 プライベートコレクション

モディリアーニには無数の恋人がいて、豊富に飲んで薬を飲んだ。 しかし時折、彼はイタリアに戻って家族を訪問し、休息し、回復しました。

小児期には、モディリアーニは胸膜炎と腸チフスに苦しんで、肺に損傷を与えた。 彼の不安定な健康状態は、彼のお金の不足と不安定な、自己嫌悪感の生活様式によって悪化した。

彼は結核で死亡した。 彼の若い婚約者、二番目の子供と一緒に妊娠したジーン・ヘブテルネは、彼なしでは人生を送ることができず、翌朝亡くなりました…

Modiglianiの人生と仕事についてのより良い洞察を得るには、このエキサイティングな冒険を続けてください。: ModiglianiAmazon Japan , Amazon UK , Amazon US , Ebook Gallery , iTunes , Google , Amazon AustraliaAmazon CanadaAmazon Germany , Ceebo (Media Control), CiandoTolino Media , Open Publishing , Barnes&NobleBaker and Taylor , Amazon Italy  , Amazon China , Amazon India , Amazon Mexico , Amazon SpainAmabook , Odilo , 24symbols , Arnoia , Nubico , Overdrive , Amazon France , numilog , youboox , Cyberlibris , Kobo , Scribd , Douban , Dangdang

Раскин – Модильяни: Скандал папиллярных волос

Выставка: Модильяни

Дата: 23 ноября 2017 года – 2 апреля 2018 года

музей: тейт модерн, Лондон

Обнаженная с синей подушкой, 1917. Холст, масло, 65.4 х 100.9 см. Национальная галерея искусств, Вашингтон, ф.о

Амедео Модильяни родился в Италии, скончался в Париже в возрасте тридцати пяти лет. Его мать была француженкой, отец – итальянцем, к тому же в семье были еврейские корни, и он рос в среде трех культур. Амедео обладал привлекательной внешностью, чувственностью и страстностью, поэтому у него было много возлюбленных. Его специфическое виденье брало корни от художественного итальянского классического наследия, а его интеллектуальная подготовленность к восприятию французского стиля и особой художественной атмосферы Парижа на рубеже 20 века шло от еврейской традиции.

Спящая обнаженная с раскинутыми руками (Рыжая обнаженная), около 1917. Холст, масло, 60 х 92 см. Коллекция Джанни Маттиоли

В отличие от других художников авангарда Модильяни писал много портретов, нереально удлиненных, пронизанных меланхолическим ощущением, и огромное количество обнаженных, с удивительной грацией и странным привкусом эротизма.

В 1906 г. Модильяни переезжает в Париж, бывший центром художественных нововведений и рынком произведений искусства. Он посещает кафе и галереи Монмартра и Монпарнаса, где собирались группы художников различных направлений. Вскоре он сближается с постимпрессионистским художником Морисом Утрилло (1883-1955) и с немецким художником Людвигом Мейднером (1844-1966), который описывал Модильяни как «последнего, истинного представителя богемы» (Дорис Кристоф «Модильяни»).

Обнаженная с бусами, 1917. Холст, масло, 64.4 х 99.4 см. Мемориальный музей Алена, Оберлин, Огайо

Мать Модильяни высылала ему деньги, но это не избавляло его от страшной бедности, поэтому ему часто приходилось менять жилье, зачастую оставляя свои работы, когда он сбегал не в состоянии оплатить ренту.

Фернанда Оливье, первая парижская подруга Пикассо (1881-1973), описывает одну из комнат Модильяни в своей книге «Пикассо и его друзья» (1933). «В одном углу комнаты находилась подставка на четырех ножках, маленькая, ржавая печка, на которой находился желтый глиняный таз, в котором он умывался, рядом на белом столике лежало полотенце и кусок мыла. В другом углу стоял маленький, темный сундук, выкрашенный черной краской и приспособленный под неудобную софу, стулья с плетеными соломенными сиденьями, мольберты, холсты всевозможных размеров, раздавленные на полу тюбики с красками, кисти, бутыль со скипидаром и кувшин с азотной кислотой (ее используют при гравировке), и полное отсутствие занавесей».

Сидящая обнаженная с бусами, 1917. Холст, масло, 92 х 60 см. Частная коллекция

Модильяни был заметной фигурой в Бато-Лавуар, знаменитом доме, где многие художники, включая Пикассо, имели свои студии. Возможно, название дал этому зданию Макс Джакоб (1876-1944), писатель богемы, друг Пикассо и Модильяни. Работая в Бато-Лавуар, Пикассо создает свою картину «Девушки из Авиньона (1907), на которой была изображена группа проституток; картина провозгласила наступление эры Кубизма. В авангарде Кубизма также стояли другие художники из Бато-Лавуар: Жорж Брак (1882-1963), Жан Метцингер (1883-1956), Мари Лорансен (1885-1956), Луис Маркусси (1883-1941), а также скульпторы Хуан Грис (1886-1927), Жак Липшиц (1891-1973) и Анри Лорен (1885-1954).

Портрет Жанны Эбютерн в большой шляпе, 1917. Холст, масло, 55 х 38 см. Частная коллекция

В живописи становятся популярными яркие цвета и свободный стиль Фовизма. Модильяни был знаком с фовистами из Бато-Лавуар, в том числе с Андре Дереном (1880-1954) и Морисом Вламинком (1876-1958); он знал скульптора – экспрессиониста Маноло (Мануэля Мартинеса Юге, 1876-1945), Хайма Сутина (1893-1943), Моисея Кислинга (1891-1953) и Марка Шагала (1887-1985).

Модильяни нарисовал портреты многих из них. Часто бывали в этом доме писатели: Макс Джакоб, поэт и критик (а также любовник Мари Лоренсен) Гийом Аполлинер (1880-1918) и сюрреалист Альфред Джерри (1873-1907). Среди них был также писатель, философ и критик Жан Кокто (1889-1963), с ним у Модильяни были смешанные взаимоотношения. Андрэ Салмон (1881-1969) даже собирался написать драматический роман, основой которого должна была послужить нестандартная жизнь Модильяни. Американская писательница, а также коллекционер предметов искусства Гертруда Стайн (1874-1946) и ее брат Лео были регулярными посетителями в этом доме.

Портрет Моисея Кислинга, 1915. Холст, масло, 37 х 29 см. Пинакотека Бреры, Майлан, Дар Эмилио и Марии Йеси

Друзья называли Модильяни «Моди», как бы каламбуря «peintre maudit» (ненавистный художник). Он и сам считал, что у художника совсем другие потребности и желания, потому и судить о нем нужно отлично от других, обычных людей – он познакомился с подобными теориями, читая таких авторов, как Фридрих Ницше (1844-1900), Шарль Бодлер (1821-67) и Габриэле Д’Аннунцио (1863-1938). У Модильяни было бесчисленное количество любовниц, он сильно запивал и принимал наркотики. Время от времени он возвращался в Италию, чтобы навестить семью, отдохнуть и набраться сил.

Нищий из Ливорно, 1909. Холст, масло, 66 х 52.7 см. Частная коллекция

В детстве Модильяни переболел плевритом и брюшным тифом, что сказалось на состоянии его легких. Его ослабленное здоровье подрывалось постоянной нехваткой денег, а также неустроенной, вседозволенной жизнью. Он скончался от туберкулеза, его молодая возлюбленная, Жанна Эбютерн, беременная их вторым ребенком, не смогла вынести жизни без него и покончила с собой на следующее утро после его смерти…

Чтобы лучше понять жизнь и работу Модильяни, продолжайте это захватывающее приключение, нажав на: Modigliani , Amazon UK , Amazon US , Ebook Gallery , iTunes , Google , Amazon AustraliaAmazon CanadaAmazon Germany , Ceebo (Media Control), CiandoTolino Media , Open Publishing , Barnes&NobleBaker and Taylor , Amazon Italy , Amazon Japan , Amazon China , Amazon India , Amazon Mexico , Amazon SpainAmabook , Odilo , 24symbols , Arnoia , Nubico , Overdrive , Amazon France , numilog , youboox , Cyberlibris , Kobo , Scribd , Douban , Dangdang

Ruskin – Modigliani: Lo Scandalo Dei Peli Pubici

Esposizione: Modigliani

Data: 23 Novembre 2017 – 2 Aprile 2018

Museo: Tate Museum, London

Nud pe pernă albastră, 1917. Ulei pe pânză, 65,4 x 100,9 cm. National Gallery of Art , Washington D.C
Amedeo Modigliani s-a născut la Livorno (Italia) în 1884 și a murit la Paris, la vârsta de 35 de ani. Francez după mamă și italian după tată, Modigliani a fost crescut în credința iudaică și s-a format astfel la contactul dintre trei culturi. Era un om fermecător și pătimaș, care a avut multe legături amoroase de-a lungul vie-ții. Trei surse i-au alimentat inegalabila forță vizionară: fără să-și renege moștenirea italiană și clasică, artistul înțelegea sensibilitatea și stilul francez, îndeosebi atmosfera artistică densă ce domnea în Paris la sfârșitul secolului al XIX-lea. În plus, era marcat de o luciditate intelectuală influențată de tradiția iudaică. Contrar altor avangardiști, Modigliani a pictat mai ales portrete cu forme alungite, cărora le-a dat un caracter straniu, adăugându-le acea tușă melancolică proprie numai lui. Nudurile lui sunt de o frumusețe sublimă și încărcate de un erotism exotic.

Nud culcat, cu brațele deschise (Nud roșu), cca 1917. Ulei pe pânză, 60 x 92 cm. Colecția Gianni Mattioli
În 1906, Modigliani se stabilește la Paris, centrul inovației artistice și al comerțului internațional cu artă. Aici va frecventa cu regularitate cafenelele și galeriile din Montmartre și Montparnasse, locuri de întâlnire ale celor mai diverse grupuri de artiști. Se va împrieteni repede cu Maurice Utrillo (1883–1955), pictor neoimpresionist – și alcoolic –, precum și cu pictorul german Ludwig Meidner (1884–1966), care-l califica pe Modigliani drept „ultimul boem adevărat” (citat în Modigliani de Doris Krystof).

Nud cu colier, 1917. Ulei pe pânză, 64,4 x 99,4 cm. Allen Memorial Museum, Oberlin, Ohio
Deși mama lui îi trimite toți banii de care putea dispune, pictorul este adesea nevoit să se mute. Uneori, atunci când nu-și poate plăti chiria, își părăsește grabnic locuința vremelnică, lăsând în urmă tablouri. Iată cum apare una dintre locuințele lui Modigliani în descrierea pe care i-o face Fernande Olivier (1881–1973), prima prietenă a lui Pablo Picasso la Paris, în cartea sa Amintiri intime – pentru Picasso: „O estradă pe patru picioare într-un colț al încăperii. O mică sobă ruginită, pe care se afla un lighean de teracotă; alături, pe o masă de brad, un prosop și o bucată de sãpun. Într-un alt colț, o ladă îngustă și sărăcăcioasă, vopsită în negru, slujea drept divan. Un scaun de răchită, niște șevalete, pânze de toate mărimile, tuburi de culoare împrăștiate pe jos, pensule, niște recipiente cu esență de terebentină, un borcan cu acid azotic (pentru gravuri) și geamuri fără perdele.”

Modigliani era unul dintre personajele de vază de la Bateau-Lavoir, celebrul imobil în care mulți artiști, la fel ca Picasso, își aveau atelierele. Probabil că denumirea de „Bateau-Lavoir” se datorează scriitorului Max Jacob (1876–1944), prieten cu Modigliani și cu Picasso.

Nud șezând, cu colier, 1917. Ulei pe pânză, 92 x 60 cm. Colecție particulară
La acea vreme, Picasso pictează Domnișoarele din Avignon, reprezentare radicală a unui grup de prostituate, care avea să marcheze începuturile cubismului. și alți artiști de la Bateau-Lavoir au contribuit la dezvoltarea cubismului; printre ei, pictorii Georges Braque (1882–1963), Jean Metzinger (1883–1956), Marie Laurencin (1885–1956), Louis Marcoussis (1883–1941) și sculptorii Juan Gris (1887–1927), Jacques Lipchitz (1891–1973) și Henri Laurens (1885–1954). Pe atunci, culorile vii și stilul liber al fovismului se bucurau de o mare popularitate. Modigliani va face cunoș-tință cu foviștii de la Bateau-Lavoir, printre care André Derain (1880–1954), Maurice de Vlaminck (1876–1958) și sculptorul expresionist Manolo (Manuel Matinez Hugué, 1876–1945), precum și cu Chaïm Soutine (1893–1943), Moïse Kisling (1891–1953) și Marc Chagall (1887–1985).

Portretul lui Jeanne Hébuterne cu pălărie mare, 1917. Ulei pe pânză, 55 x 38 cm. Colecție particulară
Modigliani îi va înfãþișa în portretele sale pe mulți dintre acești artiști. Pe lângă Max Jacob, și alți scriitori erau atrași de această comunitate – printre ei, Guillaume Apollinaire (1880–1918), poet și critic de artă (și amantul lui Marie Laurencin), suprarealistul Alfred Jarry (1873–1907), Jean Cocteau (1889–1963), scriitor, filozof și fotograf, care avea o relație ambiguă cu Modigliani, și André Salmon (1881–1969), care va scrie mai târziu un roman adaptat pentru scenă despre viața neconvențională a pictorului (Viaþa pătimașă a lui Modigliani). Printre cei care veneau adesea la Bateau-Lavoir se mai numără americanca Gertrude Stein (1874–1946), scriitoare și colecționară de artă, și fratele ei Leo.

Portretul lui Moïse Kiesling, 1915. Ulei pe pânză, 37 x 29 cm. Pinacoteca di Brera , Milano, donație Emilio și Maria Jesi
„Modi”, cum îi spuneau prietenii (diminutivul se bazează și pe omofonia cu al doilea termen al sintagmei peintre maudit, „pictor damnat”), era convins că nevoile și dorințele artistului diferă de ale oamenilor de rând. Trebuia deci ca și viața lui să fie judecată diferit. Această teorie îi fusese inspirată de lectura unor autori ca Friedrich Nietzsche (1844–1900), Charles Baudelaire (1821–1867) și Gabriele d’Annunzio (1863–1938). Modigliani avea nenumărate iubite, bea mult și se droga. Totuși, din când în când, se întorcea în Italia să-și vadă familia și să se odihnească.

Cerșetorul din Livorno, 1909. Ulei pe pânză, 66 x 52,7 cm. Colecție particulară
În copilărie, Modigliani suferise de pleurezie și de febră tifoidă, două boli de care nu s-a vindecat niciodată complet. Lipsa cronică de bani și viața dezordonată i-au șubrezit și mai mult sănătatea. Când moare, răpus de tuberculoză, Jeanne Hébuterne, tânăra lui logodnică, este însărcinată cu al doilea copil al lor. Fără Modigliani, viața i se pare insuportabilă; se sinucide la două zile după dispariția artistului…

Per avere una visione migliore della vita e del lavoro di Modigliani, continua questa eccitante avventura cliccando su: Modigliani , Amazon Italy , Streetlib , Amazon UK , Amazon US , Ebook Gallery , iTunes , Google , Amazon AustraliaAmazon CanadaAmazon Germany , Ceebo (Media Control), CiandoTolino Media , Open Publishing , Barnes&NobleBaker and Taylor , Amazon Japan , Amazon China , Amazon India , Amazon Mexico , Amazon SpainAmabook , Odilo , 24symbols , Arnoia , Nubico , Overdrive , Amazon France , numilog , youboox , Cyberlibris , Kobo , Scribd , Douban , Dangdang